Les films sous-estimés de 1999

Les films sous-estimés de 1999

septembre 9, 2018 0 Par Emma Romeo

L’année 1999 a été une année importante pour le cinéma à bien des égards. En plus d’être l’année où George Lucas a commencé ses préquels Star Wars avec The Phantom Menace, il a également vu la sortie de The Blair Witch Project, un film d’horreur qui est devenu l’un des premiers à utiliser l’Internet comme outil de marketing, ce qui a eu pour résultat un succès massif. The Matrix a ouvert la voie à une nouvelle ère du cinéma d’effets spéciaux, ouvrant ainsi la voie aux super-héros qui s’entassent aujourd’hui dans les multiplexes.

Mais surtout, 1999 a été une année brillante pour le cinéma. Des films louangés à juste titre comme Fight Club, The Green Mile et Eyes Wide Shut, en plus d’avoir remporté l’Oscar du meilleur film Picture American Beauty, il y avait un grand nombre de films qui n’ont pas eu le succès critique ou financier qu’ils méritaient – tellement nombreux, en fait, que nous avons choisi d’en choisir 29 au lieu de nos 25 films habituels.

  1. Le treizième étage

Nous ne pouvons pas nous asseoir devant vous et déclarer que The Thirteenth Floor est un classique perdu. Mais ce que nous pouvons garantir, c’est qu’il s’agit d’un film plein d’idées. Il couvre des domaines que le succès de 1999, The Matrix, explorerait également (bien que les deux soient difficilement interchangeables), mais il ne méritait certainement pas de se perdre à cause de cela. C’est un film intéressant, basé sur un roman de Daniel F. Galouye de 1964, Simalcron-3.

Largement prévu sur sa sortie originale, le film est ambitieux, et il vaut certainement la peine de creuser dans l’abondance d’articles en ligne qui le dissèquent bien mieux que nous ne l’avons ici. Mais la joie d’un film comme celui-ci, c’est de le découvrir aussi frais que possible. Il a un solide sentiment de science-fiction de la vieille école, et il est mûr pour la découverte.

  1. Drop Dead Gorgeous

Nous avons finalement décidé de laisser Election en dehors de cette liste, car il est considéré à juste titre comme l’un des meilleurs films pour adolescents de son époque, et son héritage perdure. Mais Drop Dead Gorgeous est un autre exemple d’un film avec beaucoup plus de mordant que ce que sa couverture de boîte peut suggérer à l’origine.

Kirsten Dunst (qui avait un grand nombre de films en ce moment), Denise Richards (qui était sur le point de jouer son fameux rôle de James Bond), Allison Janney (sans égal), Ellen Barkin, et Kirstie Alley dirigent la distribution ici. Le film tourne autour d’un concours de beauté où certains concurrents vont, euh, aller plus loin que d’autres afin de l’emporter.

C’est une comédie étonnamment sombre et joyeusement agréable, jouée avec brio par les acteurs. En s’inspirant de la culture des concours de beauté, on ne qualifierait toujours pas Drop Dead Gorgeous de film d’adolescent vintage, mais c’est une entrée en force dans un domaine qui débordait de qualité à la fin des années 1990. Et, fans de trivia, il y a une jeune Amy Adams dans le casting pour celui-là aussi.

  1. Bleu profond

Un groupe de scientifiques terrés dans une installation médicale top-secrète trouvent un moyen de rendre les requins plus intelligents, mais semblent sacrifier une bonne partie de leur propre intelligence dans le processus. Le film de Renny Harlin sur le requin tueur excentrique est d’autant plus divertissant que les acteurs et l’équipe semblent être dans la plaisanterie ; le scénario est plein de lignes de fromage (” Quelqu’un a-t-il commandé le poisson ? “), et le casting – y compris Samuel L. Jackson, L.L. Cool J, Saffron Burrows et Stellan Skarsgar – semble avoir une baleine d’une époque. Oh, et attention à l’une des plus belles morts surprises de tous les temps. C’est parfaitement chronométré et c’est sûr de soulever un rire nerveux.

  1. Hypnose

Cette adaptation brillamment tendue du roman de Richard Matheson n’a fait qu’une modeste affaire au moment de sa sortie, et nous ne pouvons nous empêcher de nous demander ce qui aurait pu se passer si elle n’avait pas été publiée quelques semaines après The Sixth Sense. Au sujet d’un ouvrier (Kevin Bacon) qui commence à avoir des visions paranormales après avoir été hypnotisé par un ami, Hypnose compose graduellement le suspense avec de grandes performances et un mystère qui vous fera deviner jusqu’à la fin.

Hypnose n’a peut-être pas fait autant d’argent que le succès de M. Night Shyamalan, mais il a l’avantage de l’anonymat relatif – heureusement, c’est un film que vous n’aurez probablement pas gâché pour vous au bar. Avec l’écriture et la direction efficace de David Koepp, de la musique atmosphérique de James Newton Howard et l’une des meilleures performances de Kevin Bacon en son centre, Hypnose vaut la peine d’être effrayé.

  1. Ravenous

La production derrière ce film d’horreur noir de la période comique était plus qu’un petit problème – un réalisateur a été renvoyé et un autre a été rejeté par la distribution avant qu’Antonia Bird ne soit finalement introduit – mais Ravenous reste un petit film méchamment efficace. Guy Pearce joue le rôle d’un capitaine américain pendant la guerre de 1840 entre l’Amérique et le Mexique, qui a été emmené dans un fort de montagne éloigné par ses supérieurs. Le capitaine y découvre que les habitants du fort ont un goût inquiétant pour la chair humaine.

 

Robert Carlyle est en forme magnifique en tant que colonel avec un appétit puissant, tandis que la distribution de soutien est complétée par David Arquette, John Spencer, Neal McDonough et Jeffrey Jones. Peut-être un peu trop sombre et excentrique pour le grand public, Ravenous est la définition même d’un joyau caché – et certainement l’une des meilleures comédies noires cannibales encore réalisées.

  1. EdTV

Si le Truman Show n’avait pas eu lieu plus tôt, l’EdTV de Ron Howard se serait senti beaucoup plus frais qu’en fin de compte. En l’occurrence, il a repris des thèmes similaires au classique de Peter Weir et a fait avec eux des choses légèrement différentes et moins ambitieuses. Mais il a quand même fait son changement, et c’est toujours un bon film, négligé.

Il met en vedette Matthew McConaughey, juste avant qu’il ne commence sa descente dans des eaux moins ambitieuses infestées de rom (heureusement, il est réapparu, mais nous continuerons à défendre How To Lose A Guy In 10 Days). Ici, il joue Ed, un employé d’un magasin de vidéo (vous vous souvenez d’eux ?) qui accepte que sa vie soit filmée pour une émission de télévision. C’est un film très différent de Truman, similaire peut-être dans son examen de la célébrité, mais EdTV est une comédie plus large, non sans quelques changements à faire. Si vous vous demandez quel autre film de Ron Howard a été négligé par beaucoup de gens, cherchez une copie de The Missing. C’est un bouchon de liège absolu….

  1. Retour sur investissement

Que vous optiez pour la version originale ou la meilleure version qui a finalement été publiée sur DVD, Payback de Brian Helgeland (basé sur le roman The Hunter de Donald E. Westlake) est un travail de qualité. Il est maintenant teinté par le fait d’avoir Mel Gibson comme étoile, bien qu’on ne puisse nier que sa performance centrale est l’un des facteurs qui font que Payback fonctionne si bien.

C’est spirituel, brutal et indéniablement amélioré par le montage du film par le réalisateur. Une fois la production terminée, Helgeland a été remplacé par le concepteur de production John Myhre, qui aurait tourné près d’un tiers de la production. A ce stade, Kris Kris Kristofferson a également été recruté. En vérité, l’une ou l’autre version de Payback a des mérites, et il est surprenant que la version originale ait si bien tourné. Mais si vous découvrez le film pour la première fois, c’est aussi celui-là qu’il faut éviter.

  1. Mystery Men

Bien des années avant que des films comme Kick-Ass et Super jouent avec les produits de base du genre super-héros, les somptueux Mystery Men ont tenté la même chose – et malgré une distribution exceptionnelle (Ben Stiller, Geoffrey Rush, Greg Kinnear) et quelques moments de rire à voix haute, il n’a pas réussi à séduire les critiques ou le public.

Le problème principal de Mystery Men, peut-être, était qu’il est sorti trop tôt. S’il était apparu quelques années plus tard, après que X-Men et Spider-Man aient revitalisé le genre de la bande dessinée, cette comédie aimable aurait peut-être trouvé un public plus réceptif. Avec le blockbuster de super-héros qui monte en puissance, il est sans doute temps que Mystery Men reçoive la réévaluation qu’il mérite.

  1. Boys Don’t Cry

Un film qui a valu à Hilary Swank son premier Oscar de la meilleure actrice, Boys Don’t Cry est une brillante et déchirante pièce de cinéma de la réalisatrice Kimberly Peirce (qui, plus récemment, a réalisé la nouvelle version de Carrie). La performance de Swank domine le film dans le rôle de Brandon Teena, apportant à l’écran l’histoire tragique et vraie d’une femme génétique qui vit sa vie d’homme.

La transsexualité est rarement abordée à l’écran, et Peirce ne peint pas l’histoire de Teena avec quelque lustre que ce soit. Il serait juste de dire que Boys Don’t Cry n’est pas un film facile à regarder. Mais c’en est un excellent qui a un peu disparu du radar depuis le succès de Swank aux Oscars. Une histoire importante, exceptionnellement bien racontée à l’écran.

  1. Muse

Albert Brooks a réalisé une série de comédies de qualité, et l’ensemble de son travail à cet égard ne semble guère attirer l’attention aujourd’hui. Si vous êtes à la recherche d’un point de départ, alors vous pourriez être mieux avec quelque chose comme Lost In America ou Defending Your Life. Mais Muse est une comédie calme et impressionnante qui a attiré le peu d’attention qu’elle avait autrefois par les noms qu’elle attirait vers ses acteurs. Vous trouverez ici des camées de James Cameron, Cybill Shepherd, Rob Reiner et Martin Scorsese.

L’idée maîtresse du long métrage est l’histoire d’un scénariste (Brooks) qui se débat avec ses névroses et son écriture. Il trouve une muse pour l’aider à lui donner une étincelle créative. La muse en question est jouée par Sharon Stone, et il serait juste de dire que ce n’était pas l’une de ses meilleures performances. Pourtant, le scénario de Brooks est souvent plein d’esprit, et la vaste collection de personnages signifie qu’il a beaucoup d’endroits où aller lorsqu’il raconte son histoire. Ce n’est pas le film le plus facile à trouver, et certains fans du travail de Brooks ont tendance à être plus méprisants à l’égard de celui-ci que pour ses premiers longs métrages. Mais nous avons toujours eu un faible pour La Muse, d’où son inclusion ici…..

  1. Une vraie Histoire

David Lynch a pris une toute autre tournure avec Une vraie Histoire, dont le titre ne ment pas. Si l’on considère que nous sommes habitués à voir des films de Lynch couler dans des sous-textes, des idées et des puzzles (métaphorique, et non littéral), Une vraie Histoire est à peu près aussi accessible que son travail parvient à un public plus large. Par conséquent, il y a un argument selon lequel c’est son film le moins intéressant, mais cela n’en fait pas un mauvais.

Richard Farnsworth prend ici la tête en tant qu’Alvin, un homme qui entreprend un long voyage de réconciliation avec son frère malade. Ce voyage n’est en aucun cas raccourci par sa décision de voyager en tracteur, et une grande partie de la raison pour laquelle le film fonctionne comme il le fait est due au pathos de la performance de Farnsworth. L’acteur, décédé l’année suivant la sortie de Une vraie Histoire, reste la personne la plus âgée à avoir été nominée pour le prix du meilleur acteur aux Oscars. Il avait 79 ans à l’époque.

Perdu au milieu de projets plus intéressants dans n’importe quel coffret de David Lynch, Une vraie Histoire est néanmoins une classe bienvenue pour raconter une histoire lentement, au rythme qu’exige la narration. Il y a une pointe de tristesse qui sous-tend le film, et Lynch n’a pas peur de cela. Un film plus petit, peut-être, mais très humain.

  1. Ciel d’octobre

C’est peut-être juste nous, mais le cinéma moderne ne fait pas mal quand il s’agit de films sur les relations entre les pères et leurs fils. Ciel d’Octobre, réalisé par Joe Johnston, ne cache pas le fait qu’il pousse quelques boutons émotifs dans ses activités, mais c’est tout de même un film délicieux.

Chris Cooper et Jake Gyllenhaal–il y a un bon début-jouer le père et le fils ici, le second ignorant les souhaits du premier. Sa rébellion ? Qu’il fabrique des fusées plutôt que de suivre son père dans les mines de charbon. La caméra de Johnston explore aussi bien les mines sombres et froides que le rêve du fils. Et alors que des histoires d’hommes endurcis et de leurs fils empruntant des chemins différents sont régulièrement racontées, celle-ci est bonne. Laissez-vous emporter, et c’est vraiment réconfortant, merveilleusement joué.

  1. Allez

Entremêlant trois intrigues toutes enroulées autour d’un deal central de drogue, Go est un thriller inlassablement urgent avec un grand scénario de John August, qui écrira plus tard Big Fish, Corpse Bride et Frankenweenie. Décrit par certains critiques comme un film indépendant comme un autre film de Quentin Tarantino, l’humour et le rythme de Go lui confèrent une atmosphère qui lui est propre. Sarah Polley, Timothy Olyphant et Katie Homes font partie du jeune ensemble, mais le film est sans doute volé par William Fichtner, qui joue le rôle d’un détective prédateur pour un tee-shirt inoubliable.

 

  1. Ghost Dog : La voie du samouraï

Peu de thrillers de gangsters des années 90 sont aussi excentriques et originaux que le Ghost Dog de Jim Jarmusch, dans lequel Forest Whitaker joue le rôle d’un tueur à gages qui devient la cible de ses propres patrons mafieux. Whitaker est fantastique en tant que personnage principal, un samouraï moderne qui vit selon son propre code d’éthique et tue avec une efficacité létale.

Avec un petit budget, Jarmusch écrit et réalise avec beaucoup de créativité et d’humour, et Ghost Dog réussit à être à la fois comique, poétique, excitant et mélancolique. Comme un dîner japonais élégant, il prend tous ces éléments et les arrange dans un équilibre parfait.

  1. Mains libres

Nous revenons à ce film de temps en temps, mais c’est l’un des films d’horreur les plus amusants de son époque. Devon Sawa, Seth Green et Jessica Alba se réunissent pour le film, qui a la brillante prémisse chauve-souris d’une main possédée faisant des ravages.

Il le joue pour rire autant que pour l’horreur et il amplifie aussi la violence. C’est le réalisateur du brillamment nommé Rodman Flender, qui a également dirigé la première suite de Leprechaun, et c’est le fourrage parfait pour un marathon de films d’horreur des années 90. Principalement parce que c’est le cas. Il a également évité la malédiction d’être batardized par beaucoup et beaucoup de séquelles…..

  1. À tombeau ouvert

Le drame de Martin Scorsese en 1999 semblait avoir tout pour lui, mais il a été presque entièrement ignoré au box-office ; même aujourd’hui, À tombeau ouvert est rarement mentionné lorsque le sujet du travail plus fin de Scorsese est abordé. Nicolas Cage joue Frank, un ambulancier paramédical déprimé et épuisé émotionnellement par son travail. Convaincu qu’il est hanté par les patients qu’il n’a pas réussi à sauver, ses patrouilles nocturnes dans les rues de New York deviennent encore plus stressantes lorsqu’une nouvelle forme d’héroïne provoque une vague d’arrêts cardiaques parmi ses usagers.

Avec un scénario fantastique de Paul Schrader, l’adaptation du roman du même nom de Joe Connelly (l’auteur était lui-même ambulancier paramédical), et l’une des dernières partitions du grand Elmer Bernstein avant sa triste mort en 2002, À tombeau ouvert est un drame à la fois noir et plein d’esprit avec une grande distribution, y compris Ving Rhames en tant que conducteur d’ambulance particulièrement dangereux.

 

Il y a des parallèles entre ce film et un couple Scorsese-Schrader plus réussi, Taxi Driver, mais À tombeau ouvert est une pièce d’accompagnement plutôt qu’un rechapage. Mettant en vedette l’une des meilleures performances de Nic Cage et quelques belles photos de Robert Richardson, le statut négligé du film n’est pas loin d’être criminel. C’est sûrement l’un des grands films Scorsese non découverts.

  1. Limbes

C’est l’heure d’une autre discussion avec John Sayles. Il y a peu de meilleurs investissements si vous cherchez à déterrer des pierres précieuses oubliées des années 90 qu’un coffret John Sayles, et Limbo est un autre exemple de pourquoi. Le merveilleux David Strathairn tient la vedette dans celui-ci, et Sayles se retrouve une fois de plus dans une petite ville qui regorge de secrets. Son ensemble comprend également Mary Elizabeth Mastrantonio, Kris Kristofferson et Vanessa Martinez. Sayles – encore une fois à son crédit – est prêt à donner à son film le temps et l’espace dont il a besoin pour respirer.

C’est le niveau d’entrée Sayles ? Probablement pas, en vérité. Lone Star est un bon point de départ pour commencer avec le travail du grand homme. Mais il s’agit d’un drame provocateur, discrètement ambitieux, de l’un des meilleurs cinéastes anonymes travaillant en Amérique.

  1. Locaux à bureaux

Nous pensons que beaucoup d’entre vous connaissent déjà l’espace de bureau exquis de Mike Judge, mais si vous n’en avez pas l’occasion, profitons de cette occasion pour en vanter les mérites une autre fois. Confortablement l’une des comédies les plus citées des années 1990, c’est une satire mordante qui met l’accent sur un groupe de travailleurs qui ne peuvent tout simplement pas supporter leur travail. Ils ont donc l’intention de se rebeller et de montrer à leur patron à quoi cela sert.

Entrez Gary Cole, dans une autre performance comique exceptionnelle. Son agressif passif et agressif Bill Lumbergh a le droit d’être considéré comme l’un des 100 meilleurs personnages comiques du cinéma de tous les temps, et il domine toutes les scènes qu’il fréquente. Un cri au brillant Stephen Root aussi. L’incarnation même d’un film ignoré sur sa sortie en salle et trouvant sa vie sur vidéo, puis sur DVD, Office Space est exquisément mesquin, et très, très, très drôle.

  1. Audition

Relativement retenu par les normes d’horreur du réalisateur Takashi Miike, Audition est toujours un film difficile à regarder avec une intrigue qui s’achève sur un point culminant douloureux. Il s’agit d’un veuf dont l’ami producteur organise une fausse audition pour l’aider à trouver une nouvelle épouse, et qui apprend plus tard que la femme qu’il rencontre en conséquence n’est pas aussi démodée qu’elle n’en a l’air. Ce qui est intéressant à propos de l’audition, surtout après un visionnement répété, c’est qu’elle n’est pas aussi horriblement graphique que certains critiques l’ont suggéré.

Au lieu de cela, Miike construit habilement un sentiment croissant de crainte, jouant avec les attentes du public, même si le personnage central trouve que ses propres suppositions sur l’Asami apparemment inoffensif (Eihi Shiina, qui est terrifiante) sont totalement fausses. Cherchez-le si vous l’osez.

  1. Topsy-Turvy

Une comédie dramatique sur l’écriture de The Mikado de Gilbert et Sullivan n’allait jamais faire la queue à leur multiplex local, mais le film de Mike Leigh est beaucoup moins créneau qu’il n’y paraît, avec des performances fabuleusement pompeuses de Jim Broadbent et Allan Corduner, et un scénario très drôle.

À environ 160 minutes, le film pourrait être décrit comme une touche trop longue, mais son sens du détail d’époque est parfaitement capturé, et c’est ce qui rend le film tellement plus qu’une simple histoire sur l’écriture d’un opéra léger – en réalité, c’est un portrait bien observé de la vie de la classe moyenne du 19e siècle dans toute son arrogance et son luxe doré.

  1. eXistenZ

eXistenZ était le dernier des films d’horreur corporelle glorieusement icky de David Cronenberg avant de se lancer dans des drames et des thrillers tels que Spider, A History Of Violence et Eastern Promises. Dépeignant un avenir où les gens s’interfacent avec des consoles biologiques pour jouer à des jeux de réalité virtuelle ultra-réels, eXistenZ traite des thèmes familiers de Cronenberg – l’incursion de la technologie dans notre corps, et la fiction contre la réalité – et ce, avec un esprit et un rythme réels.

Jennifer Jason Leigh incarne Allegra Gellar, un concepteur de jeux qui devient la cible d’extrémistes anti-videogame, tandis que Jude Law joue le rôle d’un garde de sécurité légèrement inefficace qui devient son protecteur. Avec une violence inquiétante et une fin formidable, eXistenZ est l’un des films les plus satisfaisants de Cronenberg, avec quelques unes de ses meilleures idées visuelles, comme un pistolet assemblé à partir d’os de poisson qui utilise les dents humaines comme balles.

Largement ignorée par le public de l’année où The Matrix a dominé le box-office, eXistenZ a remarquablement bien vieilli, et son passage aux jeux vidéo, et ce qu’il signifiera quand les mondes qu’ils créent seront presque indiscernables des nôtres, le rend aussi pertinent aujourd’hui qu’en 1999.

  1. Arlington Road

Commençons par notre prise habituelle pour Red Rock West. Le travail accompli, et nous pouvons le souligner, car Arlington Road est un autre exemple des brillants thrillers oubliés des années 1990. Il vient aussi très, très fermement marqué d’une étiquette de “Ne laissez pas quelqu’un gâcher ce film pour vous”.

C’est ce genre de film pour plusieurs raisons. Le principe fondateur du film est que Jeff Bridges, un professeur d’université, croit que son voisin, joué par Tim Robbins, pourrait être un terroriste. C’est tout ce que vous obtenez ici. On peut dire sans risque de se tromper que le thriller de Mark Pellington, qui met aussi en vedette John Cusack, est un véritable coup de théâtre. Certes, on peut penser à un film des années 70 qui suit un parcours assez semblable (encore une fois, on ne nomme pas ce film par peur de gâcher celui-ci), mais le chaudron bouillonnant de la paranoïa et de la tension est géré de manière experte.

Donc plus de mots. Arlington Road est génial. Et ne laissez personne le gâcher pour vous.

  1. Doigt d’arc

Cela fait longtemps qu’un Eddie Murphy n’a pas flirté avec la grandeur, et son double tour dans Bowfinger est peut-être le meilleur de sa carrière. Mais encore une fois, tout le monde est en forme dans le film incisif et très drôle de Frank Oz sur la réalisation de films, avec Steve Martin en tant que producteur de films de schlock Bowfinger.

Avec seulement 2 000 $ pour faire son prochain film, Bowfinger n’est pas découragé par le fait que la star d’action la plus célèbre d’Hollywood, Kitt Ramsey (Murphy), ne veut pas être dans son film. Au lieu de cela, il filme Ramsey en secret et comble les lacunes avec des images d’un homme désespérément maladroit appelé Jiff (aussi Murphy) qui ressemble étrangement à l’ancienne star.

Jiff est une création adorable, tandis que Murphy envoie son propre statut de Ramsey, un mégastar des années 80, dont les tendances paranoïaques sont mises en évidence par le tournage secret qui se déroule autour de lui. Les moments où il est accosté par Carol (Christine Baranski), une star en devenir, sont tout simplement sublimes, et le film dans son ensemble fonctionne si bien parce qu’il s’agit d’une satire précise et perceptive du cinéma hollywoodien.

  1. Homme sur la Lune

Deuxième biopic de Milos Forman des années 90 après The People vs Larry Flynt, Man on the Moon est un autre film sous-estimé du réalisateur de One Flew Over The Cuckoo’s Nest et Amadeus. Jim Carrey donne la performance de toute une vie en tant que comédien Andy Kaufman, créant sa propre interprétation de la prestation et des personnages de Kaufman, y compris le chanteur ornery Tony Clifton, plutôt qu’une impression d’une précision servile.

Soutenu par Danny DeVito, Courtney Love et Paul Giamatti, le film suit Kaufman depuis ses débuts en tant qu’animateur dans des clubs de comédie, jusqu’à son succès à la télévision avec des sketchs tard le soir, puis la série Taxi, jusqu’à sa lutte contre le cancer dans les années 1980.

Certains critiques ont accusé Man on the Moon d’être trop superficiel, et ils ont peut-être raison, mais il est difficile de contester la compétence et l’engagement de Jim Carrey. Mystifiingly ignoré dans les cinémas, Man on the Moon est un autre film Forman drôle et poignant qui vaut la peine d’être redécouvert.

  1. Les Rois du désert

Le scénariste et réalisateur David O. Russell a rendu Warner Bros. extrêmement nerveux avec sa manipulation improvisée de ce film de guerre coûteux, et ses affrontements sur le plateau avec la star George Clooney sont tristement célèbres. Mais tout ce chaos et ce conflit a contribué d’une manière ou d’une autre à la grandeur de cette satire caractéristique et très en colère de la guerre du Golfe sur trois soldats qui décident de voler une cache d’or pendant le soulèvement irakien de 1991.

Excitant et intelligent, Les Rois du désert offre un échantillon représentatif de la société américaine à travers ses personnages, parmi lesquels Spike Jonze, l’ancien garçon de bureau de Mark Wahlberg et l’ancien bagagiste religieux de Ice Cube, et explore comment ils interagissent dans les turbulences de la guerre. De plus, le film explore comment les gens se déshumanisent les uns les autres dans les conflits, tout en poursuivant leur propre intérêt personnel, ce qui le rapproche du Catch-22 tout aussi satirique de Joseph Heller.

Juste pour faire du profit pour Warner Bros. Les Rois du désert n’a pas vraiment été un succès, et c’est dommage que son écriture et sa réalisation n’aient pas reçu beaucoup d’attention non plus. En tout cas, Les Rois du désert reste l’un des meilleurs films de guerre des 20 dernières années et sans doute le meilleur film sur les conflits en Irak.

  1. Révélations

Après le hold-up classique Heat, Michael Mann a pris la décision un peu surprenante de tourner un drame réel sur la corruption dans l’industrie du tabac, confondant ainsi les espoirs que Mann continuerait à faire des thrillers difficiles. À son crédit absolu, Mann met toutes ses prouesses cinématographiques au service de Révélation, faisant d’un sujet potentiellement aride une histoire vraiment captivante et détaillée.

Russell Crowe est excellent dans le rôle de Jeffrey Wigand, le dénonciateur d’entreprise qui accepte de participer à l’émission de télévision 60 Minutes pour aider à exposer les produits chimiques ajoutés dans les cigarettes afin de les rendre plus addictives, tandis qu’Al Pacino joue le rôle du producteur de l’émission, Lowell Bergman. Mann transmet de façon experte toute la menace et le stress que Wigand a subi, alors que les patrons des compagnies de tabac ont fait pression sur lui pour qu’il se taise. En effet, la quantité de tension et de style Mann wrings Mann du sujet n’est pas loin d’être extraordinaire.

  1. Magnolia

S’il s’agissait d’une liste des meilleurs films de 1999, Magnolia aurait probablement un meilleur classement. Mais il y a quelques autres films que nous avons classés au-dessus, car nous tenons à les éclairer. Pour cet écrivain, je suis allé voir Magnolia au cinéma avec mon frère. Je suis sorti en pensant que c’était l’un des meilleurs films que j’avais jamais vu. Il s’est endormi à mi-chemin, se plaignant que c’était à peu près le film le plus ennuyeux qu’il ait jamais enduré. C’est un bon résumé de la polarisation du film.

C’est une pièce d’ensemble incroyablement ambitieuse, encore plus que le projet précédent du scénariste-réalisateur Paul Thomas Anderson, les merveilleuses Boogie Nights. Lorsqu’il attire l’attention de nos jours, c’est plutôt pour le monologue de Tom Cruise’respect du coq’. Mais il y a tant de représentations merveilleuses ici. Philip Seymour Hoffman, William H. Macy et Julianne Moore sont déchirants, le complexe Phillip Baker Hall et stimulants. Et puis il y a Melora Walters et John C. Reilly, une paire de personnages en lutte, tous deux à la recherche de lumière dans leur vie.

Anderson jongle de façon si experte que c’est une surprise qu’il n’a pas fait un film d’ensemble comme celui-ci depuis. Comment peut-il faire mieux ? La musique d’Aimee Mann est tissée de manière experte, la brise de trois heures, et la sortie du DVD est l’un des meilleurs making-of de documentaires que nous ayons vus. Appréciant que tout le monde n’est pas d’accord avec nous, Magnolia est un classique moderne.

  1. Summer of Sam

1999 n’a pas manqué de films exceptionnels. Magnolia, American Beauty, quelques-unes des autres caractéristiques dont nous avons discuté et dont nous sommes sur le point de discuter sur cette liste. Mais c’est criminel qu’il n’y ait pas assez d’amour dans le monde pour l’un des meilleurs joints de Spike Lee, Summer of Sam.

Se déroulant durant l’été 1977 à New York, alors que le tueur en série Son of Sam est en liberté, il s’agit d’une pièce de cinéma compliquée et dense. Il s’agit d’une bande de résidents qui vivent dans la peur du tueur en liberté, avec des tensions latentes, un manque de confiance et une communauté très tendue. Lee assemble une grande distribution pour celle-ci aussi, y compris Mira Sorvino, Adrien Brody, John Leguizamo et Anthony LaPaglia.

Il y a du cran et du réalisme au cœur du film de Lee, et cela exige un niveau de concentration que l’on ne peut pas s’empêcher de craindre que tout le monde n’est pas prêt à donner. Mais si vous le faites, c’est du cinéma intelligent, jonglant avec une succession de thèmes et de relations sous le parapluie d’une menace très réelle et très prononcée. C’est un excellent film, ce film, et mérite d’être classé parmi les meilleurs de Lee.

  1. Le géant de fer

C’est une entreprise, inébranlable, gravée dans la pierre de la politique Den of Geek que The Iron Giant est salué, bigged up et défendu à chaque possibilité. Nous avons fait un, mais il reste une fausse couche de la vente de DVD qu’il n’a pas encore été vu par tant de gens.

Le réalisateur Brad Bird a fait de superbes films comme Ratatouille et Les Incroyables depuis. Mais en y réfléchissant, il a d’abord fait son chef-d’œuvre. Un chef-d’œuvre dont Warner Bros. ne savait pas non plus quoi faire, ce qui explique sa campagne de pisse-pauvreté et sa sous-performance au box-office.

Mais travaillons avec ce que nous avons. Ostensiblement une adaptation de The Iron Man de Ted Hughes, le film de Bird’s prend juste quelques ingrédients cruciaux du texte original et les étoffe. La relation entre le jeune garçon Hogarth et le grand homme de métal de l’espace est traitée avec légèreté dans le livre, par exemple, mais c’est l’essentiel ici. Tout comme la décision de Bird de placer le film dans le contexte de la guerre froide, ce qui ajoute de la légitimité au sentiment de paranoïa qui sous-tend le film et explique le comportement agressif des militaires.

Fondamentalement, ceci : vous pouvez avoir autant de mots que vous voulez sur The Iron Giant, mais en moins de 80 minutes, il fait plus de 99,9 pour cent des films d’animation qu’ils souhaiteraient faire. Si vous voulez savoir à quel point il est bon, trouvez une personne qui l’a regardé, dites-lui le nom du film, prononcez le mot ” Superman “, puis consolez-le pendant les 10 minutes suivantes.

Brad Bird, nous vous saluons. Le simple fait d’écrire sur ce film nous donne la chair de poule sur les bras, et il semble approprié pour clore notre regard sur les films sous-estimés des années 1990. S’il y a suffisamment d’intérêt, nous continuerons dans les années 2000. Pour l’instant, ce DVD Iron Giant n’est que quelques dollars.